ARTE POP: James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Andy Warhol

Se desarrolló en los años sesenta y setenta del siglo XX.

Autores: James Rosenquist, Richard Hamilton, Robert Rauschenberg, Andy Warhol. Este movimiento se caracteriza por el empleo de imágenes eróticas de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios,comics, objetos culturales "mundanos" y el mundo del cine erótico. Es considerado de los últimos movimientos del arte moderno y por lo tanto precursores del arte postmoderno. Nació y se desarrolló primero en EEUU (Nueva York fundamentalmente), pero pronto pasó a Europa Occidental. Otras características destacables son: el empleo de imágenes y temas tomadas del mundo de la comunicación de masas aplicadas a las artes visuales. Subraya el valor iconográfico de la sociedad del consumo y el capitalismo. Aquí los objetos dejan de ser únicoss para ser pensados como productos en serie.

- Pop art quiere decir "Arte Popular", surge a final de los años 50 en Inglaterra y los EEUU.

- El empleo de imágenes y de distintos temas del mundo de la comunicación, todo esto aplicado en las artes visuales.

- Utiliza mucho la técnica de la subteposición de diferentes elementos tales como la cera, el óleo, la pintura plástica, materiales de desecho, la fotografía y el collage ensamblando todos estas cosas.

Andy Warhol

 Andrew Warhola (Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustradorpintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosasbromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.

Marilyn Monroe

Utilizó fotografías de gran tamaño, las que servían de base para pinturas al óleo o a la tinta, técnica que permitía la producción en serie de imágenese, realizando alteraciones menores en cada versión. De estas series, se destacan: las fotografías de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mao Tze Tung, y la lata de sopas Campbell.

Andy Warhol y sus obras, encontraron eco en los años 60, junto a un grupo de artistas plásticos, actores, músicos escritores y otros miembros del underground neoyorquino, en el taller creativo Factory, donde se abocaban a la producción de cuadros donde la firma del autor operaba como una marca registrada.

Fuentes de información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Andy_Warhol

http://www.parejashomosexuales.com/arte-y-espectaculo/biografia-de-andy-warhol-y-sus-obras.php

SURREALISMO: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux

• Año 1924 siglo xx. El surrealismo surge a partir de la teoria de sigmund froyd, en el descubrimiento del inconsciente. fue una etapa muy marcada por el estudio de los psiquiatras, la imaginacion y lo irreal (sueños); como los fenomenos del subconsciente escapan al dominio de la razon 
• Temática: animacion de lo inanimado, la metamorfosis, el aislamiento de fragmentos anatomicos, maquinas fantasticas, perspectivas vacias, evocacion del caos, el sexo y lo erotico se trata de modo lubrico, automatas, libertad del espiritu. 
• El surrealismo tomó del dadaismo algunas técnicas de cinematografia y fotografia asi como la fabricacion de objetos. extendieron el principio del collage (el objeto encontrado) al ensamblaje de objetos inconcluyentes. tambiense destaca como tecnica el fotagge inventado por Max Ernst, basado en dibujos compuestos por el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo. otra de las actividades creadas por el surrealismo fue la llamada Cadaver Exquisito, en la cual varios artistas dibujaban las distintas partes de una figura o de un texto sin vel lo que el anterior habia hecho pasandole el papel doblado.
• Autores: Douchamp, Max Ernst, René Magritte, Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Marc Chagall, Paul Delvaux, entre otros.

Surgió en Francia con André Bretón, quien siguiendo a Sigmund Freud se interesó por descubrir los mecanismos del inconsciente y sobrepasar lo real por medio de lo imaginario y lo irracional. Se caracteriza por: pretender crear un hombre nuevo, recurrir a la crueldad y el humor negro con el fin de destruir todo matiz sentimentaloide y a pesar de ser constructivo, los aspectos de la conducta moral humana y las manifestaciones no son de su interés.

Salvador Dalí

Pintor surrealista español nacido en Figueres, Girona, el 11 de mayo de 1904. En 1921 ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid), de donde fue expulsado en 1926. En esa época vivió en la Residencia de Estudiantes de Madrid, donde se relacionó con Federico García Lorca, Luis Buñuel, Rafael Alberti, José Moreno Villa y otros artistas. En 1929, instalado en París, donde conoció a Pablo Picasso, se adhiere al surrealismo, aunque los miembros principales del movimiento expulsarían finalmente a Dalí por sus tendencias políticas derechistas. La producción de Dalí de este periodo se basa en su método paranoico-crítico, inspirado en buena parte en las teorías de Freud, representación de imágenes oníricas y objetos cotidianos en formas compositivas insospechadas y sorprendentes, como los relojes blandos de La persistencia de la memoria (1931, Museo de Arte Moderno, MOMA, Nueva York). Dalí se trasladó a Estados Unidos en 1940, donde permaneció hasta 1948. Sus últimas obras, a menudo de contenido religioso, se realizan en un estilo más clásico, entre ellas cabe citar la Crucifixión (1954, Metropolitan Museum, Nueva York) y La Última Cena (1955, Galería Nacional de Washington). La técnica pictórica de Dalí se caracteriza por un dibujo meticuloso, una minuciosidad casi fotográfica en el tratamiento de los detalles, con un colorido muy brillante y luminoso. Dalí realizó varias películas surrealistas en colaboración con Buñuel como El perro andaluz (1928) y La edad de oro (1930), libros ilustrados, diseños de joyería así como escenografías y vestuarios teatrales. También escribió libros autobiográficos como La vida secreta de Salvador Dalí (1942) y Diario de un genio (1965). Fue miembro de la Academia Francesa de Bellas Artes desde 1979. Murió el 23 de enero de 1989 en Figueres.

El gran masturbador

Se trata de un autorretrato donde se reflejan sus deseos y temores sexuales. Para entonces Dalí todavía era virgen. En la obra se refleja claramente el gusto de Dalí por la DEFORMACIÓN de las formas;de manera que el lienzo queda totalmente distorsionado lo que no nos permite reconocer fácilmente las figuras ni la intencionalidad del cuadro.

Fuentes de información:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=224

http://xgfkncl.wordpress.com/salvador-dali-la-forma/

Material aportado por el docente

DADAÍSMO: Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber, Marcel Duchamp

• El moviento dadaista se desarrollo en Europa y los Estados Unidos en la segunda decada del siglo XX. Nace de un deseo de independencia; no reconoce otras teorias. Durante una reunion en Suiza, en 1916, un grupo de jovenes intelectuales exiliados e inconformistas, contrarios a la Primera Guerra Mundial decidieron construir un movimiento artistico y literario completamente subversivo. Tras la Primera Guerra Mundial el movimiento se extendio hacia Alemania y muchos de los integrantes del grupo de Surich se unieron a los Dadaistas Franceses en Paris. 
• Se caracterizaba por su negacion del arte, su intencion rupturista e innovadora, su interes por promover escandalos, normas, y su defensa de lo irracional. Propugna la libertad del individuo, la espontaneidad y la destruccion. Tiene como fin el expresar el rechaso de todos los valores sociales y esteticos del movimientos. Buscaba dejar impactado al publico y causar controversias. 
• Se utilizo el fotomontaje (convinacion de textos, imagenes y fotografias recortadas), y el titulo de montador se empleo mas que el de artista. Se utilizaron dibujos grabados en maderas y acuarelas, los materiales fueron los desechos encontrados en la calle. Tecnicas: lienzo al oleo, tapiz, collage, lienzo a la escencia. 
• Hans Arp, Hans Richter, Marcel Janco, Viking Eggeling, Christian Schad, Sophie Taeuber, Marcel Duchamp.

Movimiento artístico surgido en Europa y en Norteamérica. Apareció en Zúrich, Suiza entre 1916 y 1922 con Tristan, Tzara como us fundador. Fue una oposición al pasado violento de la guerra mundial. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por la inclinación hacia lo incierto, a lo terrorífico y a lo fantasioso. Busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción. También se le suma el gran peota-pintor de apellido Klerman que fue uno de los impulsores del antiarte denominado "dadaísmo". El dadá se extiende a Nueva York, Berlin y Paris.

Sophie Taeuber

Pintora, escultora y diseñadora. Entre los años 1908 y 1913 estudia en las Escuelas de Artes Aplicadas de Saint Gallen, Munich y Hamburgo. En 1915 se integra al Deutscher Werkbund. Ese mismo año, mientras estudia danza en la Escuela de Rudolf von Laban de Zurich, conoce a Jean Arp, con quien contraería matrimonio en 1921, y a cuyo lado transitaría por las más notables vanguardias artísticas de comienzos del siglo XX. En 1916 ambos se pliegan al movimiento Dadá, mientras que Sophie enseña en la Escuela de Artes y Profesiones de Zurich, encargándose asimismo, y hasta 1929, de la organización del plan de estudios de Diseño Textil de esa escuela. Paralelamente a su actividad docente inicia su carrera artística con pinturas al óleo y gouaches con motivos no figurativos. En 1927 con la colaboración de su esposo y de Teo Van Doesburg, diseña los espacios interiores del Café L´Aubette en Estrasburgo, uno entre los contados que llegarían a completarse en estilo abstracto. La maqueta de uno de estos mosaicos seria enviada, más de 25 años después y por sugerencia de Arp, para ser llevada a cerámica esmaltada en el mural Sonoridad, obra que se apareja con el ensamblaje de Arp, Siluetas en Relieve, en los espacios de la Biblioteca de Psicología de la Ciudad Universitaria de Caracas. En 1928 se muda a Meudon, población donde Arp ha instalado su taller. Junto a su esposo habita en esa localidad cercana a París hasta 1940.

 Cabeza dadá

Sophie Taeuber-Arp tomó parte en las actividades dada desde el principio construyendo objetos, como esta Cabeza dada y diseñando trajes para las veladas que se celebraban en el cabaret Voltaire de Zurich, de los que sólo se conservan fotografías. Las líneas rectas y los juegos geométricos definen estos diseños en los que trabajó como muchas otras mujeres de la vanguardia. 

 

Fuentes de información:

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/17071.htm

http://www.centenariovillanueva.web.ve/CUC/Sintesis_Artes/Artistas_Extranjeros/Taeuber_Arp/Taeuber_Biografia.htm

Material aportado por el docente

ARTE ABSTRACTO: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock

• Surge alrededor de 1910 en alemania, holanda y rusia. 
• Tematica: la obra de arte se convierte en una relaidad autonoma sin conexion son la naturalezay, como consecuencia, ya no representa hombres, paisajes, flores sino simplemente combinaciones de colores que intentan expresar la necesidad interior. 
• Técnica: el codigo de Kandisky es libre e intuitivo. Trabaja con formas irregulares y con una gran gama cromatica, le importa la mancha de olor y expresion. 
• Forma: el arte abstracto una un lenguaje visual de forma, color y linea para crear una composicion que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real. 
• Pintores: Kandisky, Mondrian, Malevich, Paul Klee, jackson Pollock.

Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y estructurales, acentuándo formas naturales. Surgió alrededor de 1910, como reacción al realismo, e influido por la aparición de la fotografía que provocó la crisis del arte figurativo, siendo una de las manifestaciones más significativas del arte del siglo XX. El arte abstracto deja de considerar justificada la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. Este lenguaje se ha elaborado a partir de las experiencias fauvistas y expresionistas, que exaltan la fuerza del color y desembocan en la llamada abstracción lírica o informalismo, o bien a partir de la estructuración cubista, que da lugar a las diferentes abstracciones geométricas y constructivas. 

Wassily Kandinsky

  Pintor ruso cuya investigación sobre las posibilidades de la abstracción le sitúan entre los innovadores más importantes del arte moderno. Desempeñó un papel fundamental, como artista y como teórico, en el desarrollo del arte abstracto. Nacido en Moscú el 4 de diciembre de 1866, estudió pintura y dibujo en Odessa, y derecho y economía en la Universidad de Moscú. Con 30 años se trasladó a Munich para iniciarse como pintor. Aunque sus primeras obras se enmarcan dentro de una línea naturalista, a partir de 1909, después de un viaje a París en el que quedó profundamente impresionado por las obras de los fauvistas y de los postimpresionistas, su pintura se hizo más colorista y adquirió una organización más libre. Murnau, la salida a Johannstrasse (1908) y Pintura con tres manchas (1914), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), son dos de las obras que realizó en Munich antes de volver a Rusia tras el comienzo de la I Guerra Mundial. Hacia 1913 comenzó a trabajar en las que serían consideradas como las primeras obras totalmente abstractas dentro del arte moderno, no hacían ninguna referencia a objetos del mundo físico y se inspiraban en el mundo de la música, del que tomaban los títulos. 

En azul

 

Bajo el término “abstracto” englobamos demasadas manifestaciones artísticas. Parece ser que “abstracto” viene a significar “lo que no entiendo qué es”. El maestro Kandinsky nunca pensó (y así lo manifestó en sus ensayos) que ésta fuera la definición de abstracto. Para él significaba llegar a la esencia de las formas: una botella junto a una manzana en su simplicidad podrían ser representadas como un línea vertical y un grueso punto y, así, también podríamos representar la esencia última de una música o un sentimiento. Después vinieron los Pollocks y demás (a sueldo de la CIA que tenía mucho interés en derrotar al europeo Picasso) con sus pintarrajos sin sentido.

Fuentes de información:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=280

http://laschicasdeloleo.wordpress.com/page/3/

Material aportado por el docente

FUTURISMO: Umberto Boccioni, Carlos Carra, Lugui Russolo, Gino Severini, Filippo Tommaso Marinetti

• Surge a principios del silo XX en italia- milan.
• Tematica: los temas preferidos en pintura son la ciudad y figuras humanas en movimiento. Pintaban caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. Ademas representaban el sonido como una sucecion de ondas.
• Simulteanismo, dinamismo, divisionismo, multiplicacion de lineas y detalles, movimientos, desmaterializacion de los objetos y una amplia gama de colores.
• Generalmente representaron el movimiento de personas y el rechazo al pasado y a la tradicion. Ensalazaron el progreso, consideraron simbolos de la civilizacion a la maquinaria y la velocidad, y abogaron asi por una nueva forma de expresion artistica, regida por los principios de la llamada Civilizacion Maquinaria.
• Los pintores fueron: umberto baccioni, carlos carra, lugui russolo y gino severin.

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surge en Milán, Italia, impulsado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Al año siguiente los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini firmaron el Manifiesto de los pintores futuristas. Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1914, su influencia se aprecia en las obras de Marcel Duchamp, Fernand Léger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo constructivismo ruso. Los textos futuristas trajeron un nuevo mito: la máquina. Sirva como síntesis una famosa frase de Marinetti...:" Un automóvil de carreras es más hermoso que la Victoria de Samotracia". Este movimiento rompía con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Consideraba como elementos principales de la peosía el valor, la audacia y la revolución, ya que se pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la bofetada.

Umberto Boccioni

Pintor, escultor y teórico italiano, fue uno de los líderes del movimiento futurista. En 1910, escribió el Manifiesto de los pintores futuristas en el que hacía la revolucionaria propuesta de que los artistas se liberaran del pasado y abrazaran el mundo moderno con su movimiento, su velocidad y su dinamismo. Aunque había tenido influencia del cubismo, se abstuvo de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse en Dinamismo de un ciclista (c. 1913, Colección G. Mattioli, Milán), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo tiempo. En sus obras escultóricas, que combinan madera, hierro y cristal, Boccioni pretende ilustrar la interacción que se establece entre un objeto en movimiento y el espacio que lo rodea.

Cultivó el puntillismo en algunas ocasiones, en otras empleó la línea curva, y más tarde, las rectas. En La ciudad se levanta su dinámica es curva, mientras que La fuerza de la calle o Dinamismo de un ciclista se organizan en disparatadas rectas, formalmente próximas al cubismo, pero diferenciadas en su aspiración a un movimiento frenético, casi desesperado.
En Estados de ánimo las líneas dinámicas se alternan con los espacios vacíos, que expresan el desánimo.
Finalmente se apartará del futurismo, de la velocidad y del dinamismo y se irá acercando al análisis de los volúmenes redondeados y más estáticos influido por Cézanne.

Fuentes de información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=195 

http://www.arteespana.com/futurismo.htm

Material aportado por el docente

CUBISMO: Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris

Fue un movimiento revolucionario que se trata de una revolución dentro del sistema que , en definitiva pretende consolidar y generalizar.

• Fue encabezado por Pablo Picasso , Georges Braque y Juan Gris.
• Surgió en Francia en 1907 hasta 1914.
• En la temática utilizada desaparece la perspectiva tradicional, trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas fragmentando líneas y superficies.
  -Se representan todas las partes de un objeto en un mismo.

• La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas.
  -También el collage.
  -Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

Nació en Francia en el año 1907 y fue encabezado por Pablo Picasso y Georges Braque. Sus principales rasgos consisten en: la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental con el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas. Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente, la descomposición de las imágenes en figuras geométricas de modo de representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas, un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra.

Pablo Picasso

Pintor y escultor español, considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Artista polifacético fue único y genial en todas sus facetas, inventor de formas, innovador de técnicas y estilos, artista gráfico y escultor, siendo uno de los creadores más prolíficos de toda la historia, con más de 20.000 trabajos en su haber. Picasso nació en Málaga el 25 de octubre de 1881, hijo de María Picasso López y del profesor de arte José Ruiz Blasco. Hasta 1898 siempre utilizó los apellidos paterno y materno para firmar sus obras, pero alrededor de 1901 abandonó el primero para utilizar desde entonces sólo el apellido de la madre. El genio de Picasso se pone ya de manifiesto desde fechas muy tempranas, a la edad de 10 años hizo sus primeras pinturas y a los 15 aprobó con brillantez los exámenes de ingreso en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, con su gran lienzo Ciencia y caridad (1897, Museo Picasso, Barcelona), que representa, dentro aún de la corriente academicista, a un médico, una monja y un niño junto a la cama de una mujer enferma, ganó una medalla de oro. Entre 1900 y 1902 Picasso hizo tres viajes a París, estableciéndose finalmente allí en 1904. El ambiente bohemio de las calles parisinas le fascinó desde un primer momento, mostrando en sus cuadros de la gente en los salones de baile y en los cafés la asimilación del postimpresionismo de Paul Gauguin y del simbolismo de los pintores nabis. Los temas de la obra de Edgar Degas y Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec, así como el estilo de este último, ejercieron una gran influencia sobre Picasso. El cuadro Habitación azul (1901, Colección Phillips, Washington) refleja el trabajo de ambos pintores y, a la vez, muestra su evolución hacia el periodo azul, así llamado por el predominio de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años. En ellas reflejará la miseria humana, con trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos y formas ligeramente alargadas, recordando el estilo de El Greco. Poco después de establecerse en París en un desvencijado edificio conocido como el Bateau-Lavoir, Picasso conoce a su primera compañera, Fernande Olivier. Con esta feliz relación Picasso cambió su paleta hacia tonos rosas y rojos, los años 1904 y 1905 se conocen, así, como periodo rosa. Sus temas se centraron en el mundo del circo, que visitó con gran asiduidad, creando obras como Familia de acróbatas (1905, National Gallery, Washington). En la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su alter ego, práctica que repitió también en posteriores trabajos. 

La fabrica de Horta de Ebro

Fue pintada en 1909.
La temática trata acerca de una fabrica rodeada de unas palmeras imaginarias. Se mudo junto a fernande a Horta de Sant Joan, once años después de su primera visita. Allí pintó y dibujó naturalezas muertas y numerosos retratos de Fernande, entre ellos Mujer desnuda en un sillón (colección privada, Francia) y Busto de mujer (Fernande) (Hiroshima Museum of Art). También realizó seis grandes paisajes, entre ellos El embalse (Horta de Ebro) (MoMA, Nueva York); La fábrica de Horta (Museo del Ermitage, San Petersburgo) y Casas en la colina (Horta de Ebro) (Neue Nationalgalerie,Berlín). Fueron los inicios del cubismo analítico, deudor de los conceptos de relieve, perspectiva inversa y modelado de Cézanne.
La técnica que utiliza es la de las figuras geométricas, también podemos observar colores como el verde , el rojo y el amarillo en sus diferentes tonalidades. En las obras que pintó en Horta los árboles y formas naturales fueron obviadas, y la roca superficialmente amorfa fue analizada y rota en planos para luego reconstruirla mediante la superposición de los planos; en algunos casos la geometrización se extendió al cielo, y el conjunto ofrecía una composición rigurosa con una profundidad que no envidiaba a la perspectiva tradicional. El uso de la luz era completamente arbitrario, estrictamente para acentuar los contornos y afilar los relieves.

Fuentes de información:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=335

Material aportado por el docente

FAUVISMO: Henri Matisse, Andrés Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet

Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color , donde un grupo de pintores buscaban la expresión siguiendo los pasos de Vang Gogh.

• El movimiento se fraguó en torno a Henri Matisse, y sus integrantes fueron Andrés Derain, Maurice de Vlaminck , Henri Monguin , Albert Morguet entre otros.

• Surge en Paris entre 1903-1904 hasta 1908. 

• La técnica fovista emplea toques rápidos, vigorosos, trazos toscos y descontinuos sin mezclar evitando matizar los colores.-Se utilizan colores primarios, secundarios y complementarios.
  -Las figuras resultan planas, lineales, encerradas en gruesas líneas de contorno

• La temática en general que se utilizaba en este movimiento eran: paisajes, naturalezas muertas, retratos, personajes en interiores, desnudos.
  -Mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir.
  

Movimiento de origen francés que se desarrolló entre los años 1904-1908 aproximadamente. El Salón de los Independientes de 1905 supuso la primera exhibición àra el grupo cuyo objetivo era lingüísticamente la síntesis forma-color. No pretendían ya la representación de los objetos inmersos en la luz solar, sino la de las imágenes más libres que resultaban de la superposición de colores equivalentes a dicha luz. Los fauvistas creían que mediante el color se podían expresar sentimientos. Henri Matisse es uno de los mayores representantes de esta vanguardia.

Henri Matisse

Pintor francés líder del fauvismo. Está considerado como una de las grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma. Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media. Estudió derecho en París entre 1887 y 1889. Comenzó a ejercer como abogado, sin embargo, en 1890, mientras se recuperaba de una apendicitis, se sintió atraído por la pintura. En 1892 abandonó su carrera de abogado y fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de la capital francesa. Su primera formación la realizó dentro de la tradición académica y conservadora, por lo que su primer estilo consistía en una forma convencional de naturalismo, realizando numerosas copias de los cuadros de los maestros clásicos. A su vez, estudió el arte contemporáneo, sobre todo el de los impresionistas, comenzando su propia experimentación, que le valió una reputación de miembro rebelde en las clases del estudio. La verdadera liberación artística de Matisse, en términos del uso del color como configurador de formas y planos espaciales, se produjo bajo la influencia de Paul Gauguin, Paul Cézanne y Vincent van Gogh, cuya obra estudió con detenimiento desde 1899 aproximadamente. Más tarde, entre 1903 y 1904, Matisse se enfrentó a la pintura puntillista de Henri Edmond Cross y Paul Signac. Ambos estaban experimentando con la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (a menudo puntos) de pigmento puro para crear fuertes vibraciones visuales de color intenso sobre la superficie del cuadro. Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia cromática rompía con todo lo anterior.

Lujo, calma y voluptuosidad

Fecha: 1904-1905  

Material: Oleo sobre lienzo 

En 1905 Matisse había expuesto en el Salón de los Independientes una composición puntillista denominada Lujo, calma y voluptuosidad (París, Musée d'Orsay), título tomado de unos versos de Baudelaire: "Allí todo es orden y belleza/ lujo, calma y voluptuosidad". Se relacionaba con la serie de Bañistas de Cézanne en el concepto formal y con la moda del mito arcádico en cuanto al tema. Esa Arcadia feliz, donde los pastores, integrados en la naturaleza, dedican las horas muertas a la danza, la música y las justas poéticas, había sido recuperada por el Renacimiento y mantenida por el Clasicismo francés.

 

Fuentes de información:

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/personajes/2687.htm

http://www.artehistoria.jcyl.es/arte/obras/17020.htm

Material aportado por el docente

EXPRESIONISMO: Kandinski, Munch, Rouault, Klee, Die Bruche

• El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemacia a findes del siglo XIX y principios del siglo XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renaciomineto, particularmente en las anquilosadas academias de bellas artes.
  Fue una reacción al impresionismo frente al naturalismo y el carácter positivista. Los expresionistas defienden un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visiónn interior del artista -la "extresión"- frente a la plasmación de la realidad -la "impresión".
• El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de sentimiendos más que a la descripción objetiva de la realidad.
  Movimiento artístico heterogéneo . Tenía una temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica.
  El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la extresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibida (lo morboso, sexual, fantástica o pervertida, entre otras) y la deformación emocional de la realidad.
• Los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.
  Sus trazos exagerados y la utilización de muchos colores violentos intensifica la extrasión mostrando la realidad de una forma muy personal.
• El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo moderno (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Bruche), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. 

 El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que tuvo plasmación en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del Fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Algunos historiadores, para distinguirlo, escriben “expresionismo” –en minúsculas– como término genérico y “Expresionismo” –en mayúsculas– para el movimiento alemán.

Edvard Munch

    Pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, abrieron el camino al desarrollo del expresionismo. Nacido en Loeiten, Noruega, el 12 de diciembre de 1863, Munch comenzó a pintar a la edad de 17 años. Una beca estatal, concedida en 1885, le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte. La exposición de sus cuadros en Berlín en el año 1892 impresionó de tal modo a las autoridades que decidieron cerrar la muestra.Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893, Museo Nacional de Oslo). Ésta, junto con el angustioso Niño enfermo (1881-1886, Museo Nacional de Oslo), reflejan el trauma sufrido por Munch en su niñez al morir su madre y su hermana víctimas de la tuberculosis. Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos.El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.

El grito

 

 

“Caminaba yo con dos amigos por la carretera, entonces se puso el sol; de repente, el cielo se volvió rojo como la sangre. Me detuve, me apoyé en la valla, inexplicablemente cansado. Lenguas de fuego y sangre se extendían sobre el fiordo negro azulado. Mis amigos siguieron caminando, mientras yo me quedaba atrás temblando de miedo, y sentí el grito enorme, infinito, de la naturaleza”.

Así describió Munch el momento que dio origen a “El Grito”, la obra más famosa de un ambicioso ciclo de pinturas: “El sufrimiento de la vida”. En esta serie pretendió expresar, con un lenguaje nuevo, sus experiencias sobre el amor, la enfermedad, la muerte y la naturaleza, constantes temáticas en su obra.

En “El Grito” podemos ver cómo una figura humana, situada en el centro, se tapa los oídos en un gesto desesperado de angustia. Su rostro, que recuerda a una calavera, y su cuerpo, están completamente deformados, como también lo está el espacio que lo rodea. Pero esta figura no está sola: un poco más atrás hay dos personas de negro, anónimas, que intensifican la inquietud de la escena. Todo tiembla ante ese grito, todo se desfigura porque forma parte de una realidad interior. El artista ha reproducido su vivencia de una forma completamente subjetiva, haciendo que nosotros oigamos también ese grito. Así expresa hasta qué punto las emociones determinan por completo nuestra percepción del mundo.

Hace poco más de un año, dos hombres armados entraron al Museo Munch de Oslo y robaron sus obras más famosas: “El Grito” y “Madonna”. En diciembre de 2005 fueron recuperadas.

El gesto de “El grito”, considerado el más expresivo del arte contemporáneo, representa el desánimo y temor del hombre moderno ante un mundo que cambia inevitablemente pero que ni convence ni se comprende.

Fuestes de información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=321

http://www.portaleureka.com/accesible/arte/84-el-grito-1893-de-edvard-munch

POSTIMPRESIONISMO: Paul Cézanne, Vincent Van Gogh, Paul Gauguin

• Es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de fines del sigle XIX y principios del siglo XX. Suerge entre 1880 y 1905 aroximadamente, como una reaccion contra el Impresionismo y le Neeo-Impresionismo. 
• Pintaban temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expreción. Reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión muy subjetiva del mundo. Es decir, que su principal diferencia fue que no extresan la realidad, sino que mostraron si propia visión de ella.  
• Los postimresionistas utilizaron colores vivos, una aplicación compacta de la pintura y pinceladas distinguibles. Basara su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionana contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza, y presentara una visión más subjetiva del mundo. 
• Una de sus obras: " Campo de trigo con vuelos de cuerva", realizada con óleo sobre lienzo, fue pintada en Julio de 1890.
   En este cuadro reaparece un antiguo motivo del verano del 1887: pero esta vez el pintor, que ya no tiene esperanza, derrama en él todo el tumuito desaliento que pocos días más tarde le vencerá, llevandole al suicidio. Furiosas olas de tierra licuada se agitan bajo un cielo bajo y recargado, que arrastra dos nuves descompuestas y está llamado a hundirse y apagarse, mientras unos cuervos huyen espantados.

Este término se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del XX- tras el impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este término era sólo una extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los post-impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Vincent Van Gogh

 

Pintor postimpresionista holandés. Vivió la mayor parte de su vida en Francia y su obra influyó de forma decisiva en el movimiento expresionista. Van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de un pastor protestante holandés. Desde su juventud demostró tener un temperamento fuerte y un carácter difícil que habría de frustrar todo empeño que emprendía. A los 27 años ya había trabajado en una galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus experiencias como predicador aparecen reflejadas en sus primeras composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la tosca y directa Los comedores de papas (1885, Museo Vincent van Gogh, Amsterdam, Holanda), uno de los diez únicos grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías, a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica. En 1886 fue a París a vivir con su hermano Théo van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Influido por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices pictóricos de artistas franceses como Camille Pissarro y Georges Seurat. En 1888 dejó París y se trasladó al sur de Francia con la esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza, pintó escenas rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888, Museo Vincent van Gogh) y Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos). Son también de esta época Descargadores en Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890), ambas en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España). Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían estar dotados de una vitalidad física y espiritual.

  Campo de trigo

 

En la primera semana de julio de 1889 Van Gogh recibe la noticia de que su hermano Theo pronto será padre. Unos días después sufrirá un grave ataque que le apartará de la pintura hasta septiembre. Con esta noticia se elimina el mito de un Van Gogh creador por su locura. Todo lo contrario: cuando Vincent tenía un ataque abandonaba totalmente la creación, temiendo precisamente no poder trabajar ya que pintar era lo más importante para él. Este espléndido lienzo se debió realizar entre la primavera y el mes de julio, mostrándonos uno de los campos de trigo que rodeaban el sanatorio de Saint-Rémy donde estaba internado. La alegría de los tonos empleados quizá sugiera la felicidad por la noticia de ser tío. Los amarillos, malvas y verdes salpicados de rojo y blanco hacen de ésta una de las composiciones más atractivas y relajantes del maestro. El trazo con que se ha aplicado el óleo recuerda a la Noche estrellada al ser a base de espirales, claramente reconocibles para el espectador que contempla la textura de las pinceladas, como si se tratara de un puzzle. Esas pequeñas pinceladas reciben el nombre de facetas. Van Gogh se inspiró en Seurat y en la estampa japonesa para realizarlas, siendo después empleadas por muchos creadores del Post-Impresionismo, incluso por Picasso. 

Fuentes de información:

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=396

http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/cuadros/3348.htm

Material aportado por el docente